Staatsoper Berlin: So langweilig können Gewaltexzesse sein

Ein gescheiterter Versuch der Wiederentdeckung

Die Staatsoper Berlin hat sich mit der Neuinszenierung von Gaspare Spontinis Oper „La Vestale“ an ein Werk gewagt, das fraglos eine Wiederentdeckung verdient hätte. Doch der französisch-deutsche Anlauf unter der Regie von Lydia Steier ist aus Sicht der Kritik gründlich misslungen. Was als künstlerische Aufarbeitung eines vernachlässigten Stücks gedacht war, verkommt in der Umsetzung zu einer Aneinanderreihung altbekannter und mittlerweile völlig abgenutzter theaterästhetischer Versatzstücke. Anstatt die musikalische Substanz des Werkes in den Vordergrund zu rücken oder eine neue, zeitgemäße Lesart zu etablieren, verliert sich die Inszenierung in einer oberflächlichen und ermüdenden Darstellung von Gewalt und Unterdrückung. Die Produktion, die eigentlich die Qualitäten des Komponisten Spontini ins Licht rücken sollte, erweist sich als ein Beispiel dafür, wie eine überladene und klischeehafte Regie die Wirkung eines Musiktheaterwerks neutralisieren kann. Die Zuschauer erleben einen Abend, der trotz der dramatischen Vorlage eine bemerkenswerte Langeweile ausstrahlt, da die visuelle Ebene des Stücks keinerlei neue Impulse setzt, sondern lediglich bekannte Bilder einer totalitären Diktatur reproduziert, die das Publikum auf den Opernbühnen der Welt bereits in unzähligen anderen Zusammenhängen gesehen hat.

Die Ikonographie der Diktatur als Leerformel

Die Regiearbeit von Lydia Steier bedient sich einer Ikonographie, die sich über Jahrzehnte hinweg auf den Musiktheaterbühnen als Standardrepertoire für die Darstellung übler Diktaturen etabliert hat. Das Bühnenbild und die Personenführung sind geprägt von einer gesichtslosen Soldateska, die in dunkle Gewänder gehüllt die Bühne beherrscht. Das Volk wird als eine graue, unterdrückte Masse dargestellt, die entweder geduckt agiert oder durch rüde Gewaltanwendung zu einem verklemmten Jubel gezwungen wird. Die Inszenierung setzt dabei auf eine ständige Präsenz von Waffen, insbesondere Maschinengewehren, die im Anschlag gehalten werden, um die Atmosphäre der Bedrohung zu unterstreichen. Als Kontrastprogramm dazu dienen kitschige Szenen, die mit viel Flitter, ordensgeschmückten Männerbrüsten und einem übermäßigen Einsatz von Flaggenschmuck arbeiten. Diese visuelle Sprache wirkt jedoch in der Berliner Produktion wie ein leeres Versprechen. Die Gewaltszenen und Prügelorgien, die den Abend dominieren sollen, wirken nicht beklemmend oder aufrüttelnd, sondern vielmehr wie eine mechanische Abfolge von Regieanweisungen, die den Zuschauer emotional kaum erreichen. Die Inszenierung verharrt in einer Ästhetik, die so vorhersehbar ist, dass die intendierte Schockwirkung vollständig ausbleibt und stattdessen eine ermüdende Redundanz erzeugt.

Die Rolle der Protagonisten

Im Zentrum der musikalischen Darbietung steht Sonya Yoncheva, die in der Rolle der Julia zu erleben ist. Die Sopranistin versucht, der Figur durch stimmliche Mittel Leben einzuhauchen, doch ihre Bemühungen werden durch die inszenatorische Umgebung erschwert. Besonders auffällig sind dabei die japsenden Stöhnlaute, die Yoncheva in ihre Darstellung der Julia einbaut, um den psychischen Druck und die emotionale Not der Figur zu verdeutlichen. Ob diese Mittel jedoch ausreichen, um gegen die visuelle Übermacht der Regie zu bestehen, bleibt fraglich. Die Interaktion zwischen den Sängern und der statischen, klischeehaften Umgebung wirkt oft entkoppelt. Während die Musik von Spontini eine eigene, kraftvolle Sprache spricht, scheint die Regie diese durch eine überbordende, aber inhaltlich hohle Symbolik zu ersticken. Die Beteiligten, allen voran die Regisseurin Lydia Steier, haben sich für einen Weg entschieden, der zwar auf etablierte Mittel der Theatergeschichte zurückgreift, dabei aber den Kern der Oper aus den Augen verliert. Die musikalische Qualität, die Spontinis Werk eigentlich auszeichnet, tritt hinter einer Inszenierung zurück, die mehr an einer oberflächlichen Bebilderung von Machtmissbrauch interessiert scheint als an einer tiefgehenden Charakterstudie der handelnden Personen.

Einordnung der künstlerischen Entscheidung

Einzuordnen ist diese Inszenierung als ein Beispiel für eine kreative Sackgasse, in der sich das moderne Regietheater bisweilen verfängt. Den Berichten zufolge ist die Kritik an der Produktion vor allem auf die Diskrepanz zwischen dem musikalischen Anspruch und der visuellen Umsetzung zurückzuführen. Dass ein Komponist wie Spontini, dessen Werk eine Wiederentdeckung verdient, durch eine derart konventionelle und klischeebeladene Regie in den Hintergrund gedrängt wird, wird als verpasste Chance gewertet. Die Entscheidung, auf die bewährten Bilder einer totalitären Diktatur zu setzen, mag als Versuch verstanden werden, eine zeitlose Relevanz herzustellen, doch das Ergebnis zeigt, dass diese Bilder ihre Kraft verloren haben, wenn sie ohne inhaltliche Tiefe eingesetzt werden. Die Inszenierung wirkt wie eine Ansammlung von Zitaten aus anderen, erfolgreicheren Produktionen, die sich mit ähnlichen Themen befasst haben. Die ästhetische Ermüdung, die sich beim Betrachter einstellt, ist ein direktes Resultat dieser mangelnden Originalität. Es ist bezeichnend, dass selbst die dramatischsten Momente der Oper durch die redundante visuelle Gestaltung ihre Wirkung verlieren und in einer Art ästhetischem Vakuum verhallen.

Offene Fragen und Lücken in der Darstellung

Der Quelltext lässt einige Fragen offen, die für ein vollständiges Verständnis der Produktion von Bedeutung wären. So bleibt unklar, wie die musikalische Leitung die Inszenierung bewertet und ob es zwischen dem Dirigat und der Regie eine inhaltliche Abstimmung gab, die über die bloße Koexistenz hinausgeht. Ebenso fehlen Informationen darüber, wie das Publikum auf die Premiere reagiert hat und ob es Anzeichen für eine kontroverse Aufnahme gibt. Auch die genaue Intention der Regisseurin Lydia Steier, warum sie sich für diese spezifische Form der Diktatur-Ikonographie entschieden hat, wird nicht weiter erläutert. Es bleibt offen, ob es sich um eine bewusste Entscheidung handelt, die bewusst mit Klischees spielt, oder ob die Inszenierung schlichtweg an der eigenen Ambition gescheitert ist. Auch über die weiteren Aufführungstermine oder eine mögliche Überarbeitung der Produktion nach der Premiere gibt der vorliegende Text keine Auskunft. Diese Lücken machen deutlich, dass die Kritik sich primär auf die visuelle und dramaturgische Wirkung konzentriert, während die tieferen Hintergründe der Produktion und die internen Prozesse an der Staatsoper Berlin im Dunkeln bleiben.