Ausstellung „Porträts!“: Die Wahrheit des Gesichts

Ein neuer Blick auf die Kunstgeschichte

Die Berliner Gemäldegalerie hat mit ihrer aktuellen Ausstellung „Porträts!“ ein kuratorisches Wagnis unternommen, das die gewohnten Sehgewohnheiten des Publikums grundlegend herausfordert. Anstatt die Kunstwerke wie üblich nach Epochen, Regionen oder Künstlern zu sortieren, wählt das Museum einen radikal anderen Ansatz: Es lässt die Bilder miteinander sprechen. In der Wandelhalle des Kulturforums sind mehr als achtzig Porträts sowie drei Skulpturen aus dem umfangreichen Bestand der Staatlichen Museen zu Berlin versammelt. Das Prinzip der Präsentation ist dabei ebenso simpel wie bestechend: Die Werke werden paarweise gegenübergestellt. Diese Anordnung bricht mit der starren Ordnung der Museen, die den Dialog der Kunst oft durch die räumliche Trennung in unterschiedlichen Sälen oder gar Häusern unterbindet. Das Gespräch, das normalerweise nur im Kopf des Betrachters stattfindet, erhält hier einen physischen Raum. Die Ausstellung verzichtet dabei bewusst auf eine übergeordnete, theoretisch aufgeladene These. Ihr Programm ist die Entdeckung von Ähnlichkeiten, Resonanzen und Echos, die sich über Jahrhunderte hinweg in den Gesichtern der Porträtierten manifestieren. Es ist ein Experiment, das die zeitlose Wahrheit des menschlichen Antlitzes in den Mittelpunkt rückt und den Betrachter einlädt, den Fluss der Formen und Motive durch die Kunstgeschichte unmittelbar zu erfahren.

Die Dynamik der Bildpaare

Die Zusammenstellungen in der Ausstellung sind mit großer Sorgfalt gewählt und offenbaren überraschende Verbindungen. Ein eindrucksvolles Beispiel für diesen „Tanz der Affinitäten“ bildet das Duo, das die Ausstellung eröffnet: Ein Mumienporträt einer jungen Frau aus dem Nildelta, entstanden um 150 nach Christus, trifft auf das 1810 geschaffene Porträt der preußischen Gräfin Luise von Voss, gemalt von Friedrich Bury. Trotz der siebzehnhundert Jahre, die zwischen den beiden Werken liegen, offenbart sich bei längerer Betrachtung eine verblüffende Spiegelung. Die Idealisierung der Frauengesichter – charakterisiert durch große Augen, schlanke Nasen und volle Lippen – scheint über die Jahrtausende hinweg konstant geblieben zu sein, wobei lediglich der kulturelle Ort des Ideals gewechselt hat. Ein weiteres spannendes Paar bilden der Astronom von Giovanni Cariani (um 1522) und der Kaufmann Georg Gisze, porträtiert von Hans Holbein dem Jüngeren zehn Jahre später. Während beide ihre beruflichen Attribute präsentieren, unterscheiden sich ihre Geschichten fundamental: Der Astronom stützt seine Hand auf ein Buch, während im Hintergrund ein Vogel zum Himmel aufsteigt, was auf den Tod des Modells Agostino Ricci hinweist. Der Kaufmann hingegen hält einen Brief seines Bruders, eines Humanisten, in den Händen – ein Dokument, das seine geschäftliche Integrität im Londoner Kontor unterstreicht. Hier begegnet ein Gruß aus dem Jenseits einem Gruß aus der Ferne.

Historische Kontexte und biografische Verflechtungen

Die Verbindungen zwischen den Werken sind nicht immer nur oberflächlicher Natur, etwa durch Kleidung, Hautbeschaffenheit oder Malweise bedingt. Oftmals offenbaren die Paare tiefe menschliche oder biografische Resonanzen. Ein besonders bemerkenswertes Beispiel ist die Gegenüberstellung von Eugen Spiros neusachlichem Porträt seiner zweiten Ehefrau, Elisabeth Saenger-Sethe, mit Sofonisba Anguissolas Bildnis ihrer Mutter Bianca Ponzoni aus dem Jahr 1557. Beide Frauen werden als selbstsichere Persönlichkeiten dargestellt, die in einer herrschaftlichen Pose in Sesseln ruhen. Die historische Einordnung zeigt, dass Bianca Ponzoni maßgeblich die künstlerische Ausbildung ihrer Tochter förderte, während Saenger-Sethe ihren zwanzig Jahre älteren Ehemann ins New Yorker Exil begleitete. Obwohl die Ehe später zerbrach, zeugt das Bildnis von 1929 von einer ähnlichen Souveränität und Stärke, wie sie bereits im 16. Jahrhundert festgehalten wurde. Solche Konstellationen machen deutlich, dass die Ausstellung nicht nur ästhetische Vergleiche anstellt, sondern auch die sozialen und persönlichen Hintergründe der Dargestellten sowie der Künstler in einen neuen, erweiterten Kontext rückt. Die Auswahl der Werke verdeutlicht zudem den enormen Reichtum der Berliner Sammlungen, da auch selten gezeigte Stücke aus den Depots in diesen Dialog einbezogen werden.

Die Akteure hinter der Ausstellung

Die Ausstellung „Porträts!“ ist das Ergebnis einer intensiven kuratorischen Arbeit. Verantwortlich für die Konzeption und Umsetzung zeichnen Stephan Kemperdick und Sven Jakstat. Ihr Vorhaben wurde durch die Beteiligung zahlreicher weiterer Mitarbeiter der Staatlichen Museen zu Berlin unterstützt. Die Kuratoren haben dabei bewusst darauf verzichtet, die Ausstellung mit einer starren wissenschaftlichen Doktrin zu überfrachten. Stattdessen liegt der Fokus auf der unmittelbaren Erfahrung der Kunstwerke. Die Beteiligten verfolgen das Ziel, den Besuchern einen Zugang zu ermöglichen, der keinerlei Mühe kostet, da die Bilder ihre Geschichten gewissermaßen von selbst erzählen. Durch die Einbeziehung von Künstlern wie Botticelli, Tamara de Lempicka, Lovis Corinth oder Sebastiano de Piombo entsteht ein breites Spektrum an künstlerischen Ausdrucksformen. Dabei wird auch der Blick auf die Künstler selbst gelenkt, die in ihren Selbstporträts ihre eigene Identität erkunden. Die Ausstellung fungiert somit als eine Art lebendiges Archiv, in dem die Kuratoren den Besuchern ermöglichen, den „Bilderatlas Mnemosyne“, wie ihn Aby Warburg einst beschrieb, in einer physischen und leicht zugänglichen Form zu erleben.

Einordnung der künstlerischen Resonanz

Einzuordnen ist diese Ausstellung als ein Plädoyer für die zeitlose Kraft des Porträts. Den Berichten zufolge gelingt es den Kuratoren, eine Brücke zwischen den Jahrhunderten zu schlagen, die weit über rein kunsthistorische Klassifizierungen hinausgeht. Die Bewertung der Ausstellung als „reines Glück“ unterstreicht den emotionalen und intellektuellen Gewinn, den der Besucher aus dieser besonderen Gegenüberstellung ziehen kann. Besonders hervorzuheben ist, wie die Ausstellung die Grenzen der musealen Präsentation sprengt. Indem sie Werke wie das Porträt der Margaret Camilla Leiteritz von Wilhelm Dodel – einer fast vergessenen Malerin, deren Frühwerk im Zweiten Weltkrieg vernichtet wurde – neben ein Meisterwerk von Joshua Reynolds stellt, entsteht ein Spannungsfeld, das sowohl historisch als auch menschlich berührt. Während Reynolds die wohlhabende Lady Sunderlin im Jahr 1786 vor einer Kulisse malte, die als Vorbote der Revolutionsjahre gedeutet werden kann, wirkt Dodels Werk wie eine düstere Warnung vor der kommenden Katastrophe des Krieges. Die Ausstellung zeigt hierbei, dass die Kunstgeschichte kein abgeschlossenes Kapitel ist, sondern ein fortwährender Prozess der Selbsterkundung und wechselseitigen Bezugnahme.

Offene Fragen und Lücken

Obwohl die Ausstellung eine beeindruckende Fülle an Werken und Verknüpfungen bietet, bleiben naturgemäß Fragen offen, die über den rein visuellen Dialog hinausgehen. Der Quelltext gibt beispielsweise keine detaillierte Auskunft über die genauen Auswahlkriterien für die Paare, abgesehen von der allgemeinen Idee der Resonanz. Es bleibt unklar, ob es noch weitere, nicht realisierte Paarungen gab oder welche Kriterien für die Gewichtung der Skulpturen gegenüber den Gemälden ausschlaggebend waren. Auch die Frage nach der langfristigen Wirkung einer solchen „dialogischen“ Hängung auf die Wahrnehmung der Einzelwerke im musealen Kontext wird nicht explizit beantwortet. Zudem lässt der Quelltext offen, inwieweit die Besucher die historischen Hintergründe der gezeigten Personen – etwa die tragische Geschichte von Wilhelm Dodel oder die politische Rolle von Maria Mancini – ohne zusätzliche Informationen erfassen können. Die Ausstellung setzt ein gewisses Maß an Offenheit voraus, lässt jedoch die Frage offen, wie die Balance zwischen rein ästhetischem Genuss und historischer Wissensvermittlung für ein breites Publikum optimal gestaltet werden kann.

Ausblick und weitere Informationen

Die Ausstellung „Porträts! Überraschende Begegnungen von Botticelli bis Lempicka“ ist noch für einen längeren Zeitraum zugänglich. Besucher haben die Möglichkeit, die Gemäldegalerie am Kulturforum bis zum 14. März 2027 zu besuchen, um sich auf den Dialog der Bilder einzulassen. Für diejenigen, die die ausgestellten Werke und die kuratorischen Überlegungen vertiefen möchten, steht ein begleitender Katalog zur Verfügung, der zum Preis von 35 Euro erworben werden kann. Die Ausstellung ist ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie Museen durch eine kreative Neuordnung ihrer Bestände neue Perspektiven eröffnen können. Da die Schau bis ins Frühjahr 2027 läuft, bleibt ausreichend Zeit, um die verschiedenen Paare und ihre Geschichten in Ruhe zu erkunden. Weitere Entscheidungen über eine mögliche Wanderschaft der Ausstellung oder eine Erweiterung der Exponate wurden nicht bekannt gegeben. Der Fokus liegt derzeit ganz auf der Präsentation in Berlin, die durch ihre Dichte und die Qualität der ausgewählten Stücke bereits jetzt als ein bedeutendes kulturelles Ereignis im Berliner Museumsbetrieb gilt.